Wespentaille

Eine Wespentaille oder Petiolus ist die charakteristische Verengung im Körper vieler Membranflügel (Hymenoptera): die Wespen, Ameisen, Bienen und Hummeln (Apocrita). Bei den meisten anderen Insekten sind der Bauch und das Bruststück wie im Fall der Käfer lokalisiert oder miteinander verschmolzen. Einige Insekten, die Wespen imitieren (Mimikry) haben Flecken auf der Vorderseite des Bauches, die eine Wespentaille nachahmen, ein Beispiel ist der Hornissenschmetterling.

Eine Wespentaille ist auch ein modisches Idealbild, das ab 1920 herrschte; mit einem spitzen- oder schnürkorsett, bustier oder guêpière wurde die taille auf einen extrem kleinen umfang eingeengt (tightlacing). Bis in die zwanziger Jahre des letzten Jahrhunderts war die Wespentaille ein modisches Ideal. In den zwanziger Jahren wurde dieses Idealbild teilweise von den verschiedenen Gesundheitsbewegungen, den Suffragetten und der ersten feministischen Welle beeinflusst.

Waspentaile ist wahrscheinlich eine Übersetzung von Französisch Taille und Guêpé (gefunden zum ersten Mal im Jahr 1783) oder Taille de Guêpe (1829, Guêpe bedeutet “Wespe”). Der Mittelkörper mit Korsett ist Ende des 18. Jahrhunderts in Frankreich in Mode gekommen; der Rest von Europa folgte im 19. Jahrhundert. Das Wort wird in der Mode enthalten sein und in verschiedenen europäischen Sprachen erscheinen. Die Deutschen sprechen von dieser Wespentaille und dem Englisch der Wespentaille. In holländischer Sprache wurde die Wespentaille erstmals 1838 gefunden, in einem Brief, den Johannes Kneppelhout aus Paris an einen Freund schrieb: “Wie reist du mit deinem Reisebegleiter? Was seine Insektensammlung anbelangt, so laßt ihn nach den Wespentagäonen der Damen der leichten Manieren Ausschau halten, sie sind nicht-gewobene Flügel, die wenigen unterlegen sind. Das Wort scheint jedoch erst ab etwa 1870 weithin bekannt geworden zu sein. Im Jahr 1881 begegnen wir ihm in einem “Antrittsgesang für einen Gentleman und eine Dame” mit dem Titel “Modetwist”. Darin singt der Gentleman unter anderem: “Sie fesseln und ziehen sich zusammen, / tragen schwere Fahrten, / finden ihre Taille nie schmal genug / fängt an, es heftig zu blasen / Dann sieht man alles winken, / Dra bricht ihre Wespentaille spät oder früh . “

Weinlese Kleding

Vintage Kleidung oder Vintage ist alte Kleidung, die wiederbelebt wird.

Vintage beinhaltet alte Kleidung, Schuhe und Accessoires, für die es erneut Interesse gibt. Meist handelt es sich um Designerkleidung oder handgemachte Kleidungsstücke, die für einen bestimmten Zeitgeist typisch sind und einen gewissen Stilwert haben. Vintage wird nicht in jedem Geschäft verkauft; Vintag Kleidungsstücke werden auf verschiedenen Märkten angeboten (zum Beispiel der Waterlooplein in Amsterdam). Es gibt auch oft kleine Läden in den großen Städten, die Vintage anbieten; Hier werden nicht nur Kleidungsstücke, sondern auch Taschen, Schuhe und Schmuck verkauft. Da die Nachfrage nach Vintage-Kleidung groß ist, sind die Preise oft hoch: In diesen Läden werden häufig Preise für neue Kleidungsstücke verwendet. Heute wird der Begriff Vintage in der Regel für Kleidung verwendet, die zwischen 1920 und Ende der 1970er Jahre hergestellt wurde, aber einige Anbieter dieser Kleidung bewegen sich weiter in der Mitte der 1980er Jahre. Kleidung älter als 1920 wird in der Regel als “antik” angesehen und ist bei Sammlern beliebt, wird aber selten getragen.

Es ist nicht das erste Mal, dass Vintage in Mode ist. In den sechziger Jahren war es schon soweit, neue Kleider mit alten zu kombinieren. Gehäkelte Umhängetaschen, Blumenkleider, Blusen im Großmutterstil mit altmodischen Mustern und viele Rüschen wurden mit modernen Accessoires wie Knicklederstiefeln und Trikots getragen. 1971 lancierte der französische Stylist Yves Saint Laurent den Vintage-Stil und die sogenannte Flohmarktmode. Die letzte Jahrhundertwende, ein nostalgischer Moment, und das Internet – ein Instrument, das die Suche nach wertvollen Secondhand-Kleidungsstücken vereinfacht hat – haben zur aktuellen “Neo-Vintage” -Welle beigetragen. Die amerikanische Schauspielerin Julia Roberts hat ihren Beitrag geleistet, indem sie in ihrem Vintage-Valentino-Kleid bei den Oscar-Verleihungen auftrat. Andere Filmstars, darunter Sienna Miller, Renée Zellweger und Reese Witherspoon, wurden bereits von der Vintage-Romanze verführt. Vintage-Kleidungsstücke dürfen jedoch keine Flecken aufweisen oder abgenutzt aussehen. Ein Beispiel: In einer limitierten Auflage hat Yves Saint Laurent eine Serie von Smokings von 1966 und Safari-Kostüme von 1968 für jeweils 6.860 Euro gemacht. Sehr beliebt ist Vintage in neuem oder ungetragenem Zustand. Dies bedeutet keine Reproduktionen hier. Vintage-Top-Qualität wird in Fachausdrücken als “handverlesener Jahrgang” bezeichnet, was den Unterschied zum Vintage, der in fast jedem Second-Hand-Shop erhältlich ist, deutlich unterstreicht und als Schüttgut (in großen Chargen) von Bekleidungs-Container-Unternehmen gekauft wird. Der Zustand des ungetragenen Jahrgangs wird auch in Begriffen wie “Neuzustand” und “Deadstock” beschrieben. Letzteres bedeutet wörtlich “totes Lager”, was bedeutet, dass es sich um Kleidungsstücke aus alten Beständen handelt. Ungetragene Jahrgänge werden immer schwieriger zu beschaffen und sind daher sehr selten, was sich auf den Preis auswirkt. Nur bei exklusiven Webshops ist es verfügbar. In den Vereinigten Staaten gibt es mehrere Vintage-Boutiquen mit einem Designer handverlesenen Vintage, aber auch in den Niederlanden gibt es eine Wiederbelebung des exklusiven Vintage-Platzes. Authentische Vintage-Mode hat absoluten Wert als Sammlerstück. Im Jahr 2007 war die Auktion der Jan Jansen In His Shoes Kollektion im Christie’s Auktionshaus ein großer Erfolg. Vintage-Kleidung scheint in dieser Definition für die breite Öffentlichkeit unerschwinglich. Einigen zufolge ist es nicht ausschließlich für Sammler reserviert, aber ein Blick auf viele Websites zeigt, dass die Kosten für ein einfaches Vintage-Kleid schnell zwischen 75 und 150 Euro liegen. Eine Tasche aus den beliebten Vierzigern fällt in die gleiche Preiskategorie. Vintage gibt es in vielen Definitionen und Preisklassen: von authentisch für Sammler mit einer reich gefüllten Messe bis hin zu gefälschten Trendsettern mit kleinem Budget. Der Ort, an dem der Jahrgang erhältlich ist, unterscheidet sich dadurch. Die echten Sammlerstücke, der exklusive Vintage, sind über das Internet erhältlich. Flohmärkte (denken Sie an den Waterlooplein in Amsterdam) bieten eine breite Palette an Second-Hand-Vintage-Kleidung. Diese Kleidungsstücke stammen normalerweise nicht von authentischen Marken, tragen aber zu Aussehen und Aussehen bei. Hinzu kommen noch kleine Trendthemen und große Einzelhandelsketten; Sie bieten weniger exklusive, aber bezahlbare Kleidung im “Vintage-Look”. Wenn ein Vintage-Produkt besonders beliebt ist, kann ein Produzent entscheiden, es mit einigen Anpassungen zurück in die Produktion zu nehmen, wenn nötig. Diese Produkte werden als Retro-Produkte oder Revival-Produkte bezeichnet.

“Echte” Vintage-Kleidung kann anhand der folgenden Merkmale von Fälschungen unterschieden werden.

* Vintage Fashion Guild: Internationale Vintage Kleidung Organisation

Trendfarbe

Eine Trendfarbe ist ein Begriff aus der Design- und Modewelt. Für verschiedene Produkte, Mode und Hausstil, aber auch für alle möglichen anderen Dinge, wird eine bestimmte Farbe von Zeit zu Zeit als Trend gesehen. Viele Menschen tragen Kleidung in dieser Farbe oder verwenden sie, um ihr Zuhause zu dekorieren.Die Mode-Farbe von 2009 ist grün mit Fuchsia.

Trend (mode)

Ein Trend ist längerfristig eine Entwicklung in eine bestimmte Richtung. Trends werden oft von Modedesignern angegeben, aber sie können auch von einer Modeerscheinung herrühren, die Designer immer wieder aufgreifen. Ein Trend dauert länger als eine Saison und beeinflusst die kommende Saison immer.

Tightlacing

Tightlacing, manchmal auch Taillentraining oder Korsetttraining genannt, zieht die Spitze (n) eines Korsetts an oder trägt ein festes Korsett. In der westlichen Kostümgeschichte entstand diese Praxis während des 19. Jahrhunderts, weil eine Wespentaille wünschenswert war und ein festes Korsett Frauen half, dieses ideale Bild zu erreichen. Es gab eine ästhetische, physiologische und feministische Kritik an der Verwendung, aber es dauerte bis Anfang des 20. Jahrhunderts für die Unterbrechung des Sattelns. Das Korsett wurde durch weniger drückende Unterwäsche ersetzt, wie BHs und figurkorrigierende Unterwäsche aus weichen, flexiblen Materialien. Obwohl Korsetts seit der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts als Fetischkleidung mit einer kleinen Minderheit ein Revival erlebt haben, wird Tightlacing selten gemacht.

Teddy Junge

Teddy Boy, auch bekannt als Ted, ist eine Subkultur, die ihren Ursprung in England hat. Der Kleidungsstil der Teddy Boys ist inspiriert vom Kleidungsstil der Dandys in der Edwardianischen Periode. Der Stil wurde bald mit Rock ‘n’ Roll assoziiert, und war zunächst nur in England beliebt. In den siebziger Jahren verbreitete sich die Teddy-Kultur in einer weniger extremen Form auf dem europäischen Kontinent, wo die Verbindung mit Rockabilly-Musik zentraler war.

Die Edwardianische Periode im Vereinigten Königreich ist eine Periode zwischen 1901 und 1910, in der König Edward VII regierte und seinen eigenen Stil kannte. Nach dem Zweiten Weltkrieg wurde der Edwardianische Kleidungsstil von den Londoner Saville Row Schneider wiederbelebt. Der Teddybärstil war eine Reaktion der Jugend aus der höheren sozialen Klasse auf die Steifheit und Starrheit der Nachkriegsregierung. Obwohl die Modewelt versuchte, den Edwardian-Stil der Kleidung mit neueren Varianten wieder herzustellen, wandte sich die Jugend ab, indem sie seltsame Elemente auf diesem klassischen Kleidungsstil einführte. Schriftsteller Paul Rock and Stan Cohen stammen, den Übergang von der Oberschicht Mode „auf“ Arbeiterjugend Stil „im Jahr 1953. Im gleichen Zeitraum fiel auch die‚Spivs‘Nachkriegs dubiose reife, gut gekleidete schäbige Straßenhändler waren, die in erster Linie handelten Produkte von fragwürdiger Herkunft oder von minderer Qualität. Die Historiker beschreiben diese Spivs oft der Teddy Boys Vorläufer, während Insider, weil Teddy typische SMJ “Zweifel waren anfangs oft von wohlhabenden Familien und nicht unbedingt in etwas gehandelt. Ähnlichkeiten bestehen auch mit den sogenannten Zoot-Anzügen aus dem New Yorker Stadtteil “Harlem”. Die Zoot Suit in den dreißiger Jahren wurden mit der schwarzen amerikanischen Jazz-Kultur verbunden und später von Hispanoamerikaner in den frühen vierziger Jahren angenommen, und beide wissen, dass eine länger als normal Jacke. Ursprünglich waren die Teds mit Cosh-Jungen markiert, aber als 1953 die Daily Express-Zeitung Edwardian Boys zu Teddy Boys gekürzt wurde, wurde der Name geboren. Ein relativ hoher Prozentsatz von Teddyboys waren (Kinder) irischer Immigranten, die diesen Kleidungsstil nutzten, um sich leichter in die britische Gesellschaft zu integrieren. Im gleichen teddyboycultuur 1953 wurde auch an Verbrechen verbunden, wenn teddyboybende „die Plow Jungen,“ John Beckley Teenager ermordet. Teddy Jungs haben das Bild mit Schlagring, Messer und Ketten für bewaffnete Männer schneiden, mit dem man nicht spaßen, und obwohl in den meisten drehten sich Kleidung und Musik, waren doch oft Gewalt, die größte in den Nachrichten veröffentlicht wurden. Dies führte dazu, dass die Teddy Boys an vielen Orten der Unterhaltung abgelehnt wurden. In den frühen sechziger Jahren war die Anzahl der Teddyboys stark reduziert. Es gab viel mehr Beschäftigung und Geld, was die allgemeine Frustration und andere neue Möglichkeiten verringerte. Viele Teddyboys wurden zu sogenannten Rockern oder Nozems und lernten Jacken und Motorräder zu tragen, in denen die traditionellen britischen Marken beliebt waren. Insbesondere wurden die Motorradfahrer auch umgang bedeutete schneller als 100 mph (160 km / h) fahren „Ton Up Boys“, weil das „eine Tonne-up‘ genannt. Die Rocker, wie ihre Vorgänger, wurden auch als die Teddy Boys als Anti-Bestätigungs-Order-Blasen mit einem “Bad Boy” -Bild betrachtet. Parallel zu den Rockers gab es auch die sogenannte Mod-Kultur. Rocker und Mods standen sich oft diametral gegenüber, was regelmäßig zu Konfrontationen führte. Bis heute sind Teddyboys immer geblieben, wobei nur eine kleine, hauptsächlich britische Minderheit weiterhin Mainstream-Teddybärenklamotten trägt und der Rest kann unter Rockers kategorisiert werden.

In den fünfziger Jahren erschienen mehrere Filme über jugendliche Jugendliche wie The Wild One (1953) mit Marlon Brando und Rebel Without a Cause (1955), in dem James Dean die Hauptrolle spielte. Obwohl Teddy Boys anfänglich hauptsächlich Big Band, Jazz und Skiff Musik hörten, wurde dies in der zweiten Hälfte der fünfziger Jahre zu Rock ‘n’ Roll. 1956 wurde der Film Blackboard Jungle uraufgeführt. Als am Ende des Films zum dritten Mal “Rock Around the Clock” von Bill Haley gespielt wurde, tanzten Teddy Boys damit in den Gängen. Das Personal versuchte dies zu verhindern und es kam zu Aufständen, bei denen die Polsterung der Klappsitze mit Schneidmessern geschnitten wurde. Aufgrund der Medienaufmerksamkeit wurde dieses Verhalten kopiert und der Film wurde schließlich verboten. In den folgenden Jahren gab es immer mehr Unruhen mit Teddybärengruppen. Beginnend im Jahr 1958 gipfelte dies in Unruhen in sind Notting Hill und Nottingham, wo sie gegen offene Einwanderungspolitik gedreht und die vielen Karibik Arbeiter, die das Vereinigte Königreich eingetreten war.

Der Teddybär-Kleidungsstil besteht aus einem langen Mantel mit Fell-, Samt- oder Velours-Verzierungen. Dies wird unterstützt ein sogenanntes Hose Regenrohr, das gerade ist, hat zumindest schmales Bein taillierte, die knapp über dem Knöchel zu stoppen und die hiermit sind oft mehrfarbige Socken mit Druck zeigt gute vorgeschlagen. Eine dünne “Slim Jim” Krawatte oder Bolotie und eine Weste oder Weste mit einer gepflegten Bluse zieren den Torso. Passende Schuhe sind solche mit dicken Crêpe- oder Gummisohlen, die als “Bordell Creeper” bezeichnet werden. Dieser Kleidungsstil war in den fünfziger Jahren nicht billig und immer noch teuer, und für ein komplettes Outfit gibt es immer noch einen Preis von durchschnittlich 3-4 Wochenlohn. Nach 1960 war die Zahl der Mainstream-Teddyboys auf eine viel kleinere Gruppe reduziert worden. Besonders bei den Teddyboys aus der Zeit nach 1970 sehen wir oft viel farbenfrohere Verzierungen an Kleidung, wie zum Beispiel rote und violette, Tiger-, Leoparden- und Zebra-Prints. Packs selbst sind oft keine überzogenen Farben mehr und reine Wolle wird in geringerem Maße verwendet. Mitte der siebziger Jahre, dass durch in Kleidung Stile schießen, die nicht mehr als Teddy Boys Stil von vielen gesehen werden und oft zu Glam Rock bezeichnet, wo Bands wie Showaddywaddy und Schlamm einen Anteil hatte.

Als Stil war der sportliche Tony Curtish Stil beliebt. Das Haar wurde auch oft zurückgekämmt, um den sogenannten Entenschwanz zu bilden, kombiniert mit einem Fett und / oder großen Koteletten. Obwohl nicht notwendig, Old-School-Tattoos können auch als ein gemeinsames Merkmal gesehen werden. Das Messer oder “Flick-Messer”, das in den fünfziger Jahren als Waffe benutzt wurde, ist ein typisches Merkmal eines Teddy-Jungen.

Nach einem Rebound teddyboycultuur in den achtziger Jahren mit den Glam-Rock-Varianten waren oft Zerfall Stil Erfahrung bei der älteren Generation geschaffen besonders Teddy Jungen der Wunsch, den traditionellen Stil Teddy Boys ehren zu restaurieren und zu pflegen. Dies führte zur Schaffung von The Edwardian Drape Society (TEDS) ‘im Bereich von Tottenham im Norden von London in den neunziger Jahren, die Bildung von DONS (drapiert von Northampton Society) im Jahr 2005 und der’ Edwardian Teddy Boy Association die Manchester-Region im Jahr 2007. Die letztere Gruppe ist auch bekannt als The Manchester Peacock Society und entstand aus den Salford Bop Cats der 1970er Jahre. Was den traditionellen Teddy-Stil betrifft, hat es kaum einen grenzüberschreitenden Effekt gegeben, und dies kann als eine rein britische Angelegenheit angesehen werden. Obwohl Teddyjungen früher hauptsächlich junge Leute waren, sind es im 21. Jahrhundert oft ältere Männer, die mit Leib und Seele immer Teddybuben geblieben sind. Es gibt eine sehr begrenzte Anzahl junger Teddyboys. Die Wiederbelebung, die in den siebziger und achtziger Jahren nahm, hat es eine grenzüberschreitende Operation hatte, insbesondere auf dem westeuropäischen Kontinent, ist es oft der siebziger und achtziger Jahre Stil Teddy Boys, die beibehalten wird. Das Revival sorgte für musikalische Erfolge unter anderem bei den Stray Cats und Matchbox (Band). Der “kontinentale” Teddybären-Stil der 70er und 80er Jahre hat mit den traditionellen Teddyboys oft wenig mit Kleidung zu tun, und es scheint mehr Verbindung mit der Redneck-Kultur und der Rocker-Kultur zu geben. In den Niederlanden wird diese Kultur als “Nozem”, in Frankreich als “blousons noirs” und in Deutschland als “Halbstarken” bezeichnet. Es gibt auch oft einen Vergleich mit Motorclubs, vor allem den 1% -MCs, da es eine gewisse Ähnlichkeit in der Erscheinung gibt. Die “Rebellenflagge” (siehe Redneck) ist ein amerikanischer Einfluss, der Freiheit symbolisiert (rebellion) und mit der Entstehung und dem Durchbruch von Rockabilly- und Rock’n’Roll-Musik verbunden ist. Die Flagge ist fast schlüssig zu diesen kontinentalen Strömungen verbunden ist, nicht oder viel weniger in traditionellen teddyboycultuur.

Rockabilly Musik, Rock and Roll aus den fünfziger Jahren im Allgemeinen und vor allem die Musik und Auftritt von Eddie Cochran, Gene Vincent und Elvis waren die wichtigsten Einfluss in dieser Subkultur, und kümmerte sich auch um den amerikanischen Stil Einflüsse spät fünfzig. Es gibt auch eine Reihe teddyboybands wie ‚Crazy Cavan„und einige Lieder, die über Teddy Jungs sind. Diese Musik ist in den Herbsten vollständig ausgebildet, und hier die teddyboycultuur ist aus den fünfziger und sechziger Jahren gesungen erweitert:

Schulterpolsterung

Schulterpolsterung ist eine Polsterung von Damen- und Herrenbekleidung an den Schultern. Durch Schulterpolster erscheinen die Schultern breiter und die Kleidung passt besser. In den 80er Jahren des 20. Jahrhunderts waren Schulterpolster sehr beliebt.

S-Linie

Die S-Line ist eine Modetrend vom Ende des neunzehnten Jahrhunderts. Dieser Trend bestand in der Taille mit einem Droit-Devant Korsett; um eine S-Silhouette zu bekommen. Der Bauch wurde nach hinten geschoben und das Gesäß noch mehr nach hinten. Die Front war also senkrecht, was auch den Namen erklärt. Frauen, die sich zu stark drückten, litten an einer Deformierung der lebenswichtigen Organe. Die Taille könnte manchmal beängstigend schmal sein, eine Taille von 40 bis 45 cm Umfang war ein zugängliches Ziel. In alten Fotografien wurden Damen der Lichtmoral mit einer Taille von manchmal 25-30 cm dargestellt; Oft wurden diese Fotos retuschiert.

Retro

Retro steht für den Rückgriff auf Produkte und Designs aus der Vergangenheit, wenn ein neues Produkt entworfen oder auf den Markt gebracht wird: Das Design neuer Produkte ist nicht so sehr eine Kopie eines früheren Produkts, sondern ist von diesem inspiriert und verweist darauf. In den letzten zehn Jahren wurde Retro immer beliebter. Das Retro-Phänomen tritt in vielen Bereichen auf, etwa in den Bereichen Bildende Kunst, Kleidung, Architektur, Musik, Fahrräder, Möbel, Computer, Computerspiele und Websites.

Um die Jahrtausendwende wurde der Retro-Stil in der Architektur in verschiedenen Gemeinden in den Niederlanden angewandt. Dies bezieht sich oft auf Wohnstile aus den ersten Jahrzehnten des zwanzigsten Jahrhunderts, mit Details wie größeren Dachüberständen und kleineren Fenstern, manchmal in Teile aufgeteilt. Der Stil ist manchmal aus dem frühen Wohnungsbaugesetz (siehe Beispiel unten) und der Amsterdamer Schule (Baustil) abgeleitet. Bemerkenswert ist jedoch, dass es sich um (manchmal teurere) Eigentumswohnungen handelt. Manchmal wird ein völlig freier Baustil angewendet, der höchstens von einer schwer zu interpretierenden Vergangenheit inspiriert ist, wo die Grenze zum Kitsch manchmal nicht einfach zu ziehen ist. Die Detaillierung ist manchmal bemerkenswert: Fenster oder Fensterläden, die bereits während des Baus vermauert wurden und dauerhaft an der Fassade befestigt sind. Beispiele finden sich an vielen Orten in den Niederlanden, so dass hier einige Beispiele genügen werden: das Brandevoort-Viertel in Helmond und Teile des Schuytgraaf-Viertels in Arnheim. In diesem historisch verweisenden Stil wird oft eine historisierende Sprache verwendet: “s” wird “z”, “Zwiebel” wird “uy”, “d” wird “t” und solch ein Erstaunen. Auch in der Vergangenheit werden Bezugsbegriffe als “Weste” und dergleichen verwendet.

Menschen und Strömungen, die Wert auf Innovation und Originalität legen, sehen das Phänomen Retro als eine Form von Niedergang und Regression. Aber Menschen, die aus der postmodernen Tradition denken, glauben auch, dass Stile, die auf Formmoderne basieren, regressiv sind und (in dieser Postmoderne paradoxerweise) nicht originell sind. Zum Beispiel gibt es eine wichtige modernistische Tradition in der Architektur. Aus dieser modernistischen Tradition wird die Retro-Architektur (auch Neotraditionalismus genannt) angegriffen. Übrigens sehen andere moderne Bewegungen das Retro-Phänomen als Respekt für bestimmte traditionelle Werte und ein Bedürfnis nach Identität.

Regentschaft

Regentschaft ist in der politischen Geschichte des Vereinigten Königreichs der Zeitraum von 1811 bis 1820, die Zeit, als der spätere König Georg IV. Seinen Vater Georg III. Als Prinzregent ersetzte, weil er aufgrund einer Stoffwechselstörung die Monarchie nicht mehr ausüben konnte. Als eine Stilperiode hat Regency eine längere Periode, als George IV seinen Vater ersetzte. Der früheste Beginn kann 1783 gemacht werden, als der Kronprinz im Alter von 21 Jahren in das Carlton House zog. Die Zeit ging während der Regierungszeit von George IV. Weiter. Das Jahr 1837 markiert den Beginn der viktorianischen Ära, also das Ende der Regentschaft als Stilperiode.

Während der Regency-Zeit können verschiedene Stile in Mode identifiziert werden. In der Zeit zwischen 1812 und 1830, in der Frauenkleidung, sehen wir vor dem Ende der Regierungszeit Napoleons eine Mode, die zum Bürgertum tendiert. Es ist klar, dass Mode aus der Antike nicht mehr die Quelle der Inspiration ist. Der neue Stil in Stoffen in dieser Zeit stammt aus der Verbesserung der Webstühle, Weberei und Maltechniken. Die Kleidung wurde für Männer und Frauen einfacher.

In der Regency-Zeit wurde die Kleidung durch die Französische Revolution weitgehend verändert. Am Ende des achtzehnten Jahrhunderts trugen noch französische Perücken und bunte Kleidung. Die Hosen waren immer noch sehr eng und noch immer bunt bis zum Knie und den Krawatten. Um 1810 änderte sich dies. Herr George ‘Beau’ Brummell zog seine Perücke aus, schnitt sein Haar im Stil eines griechischen Gottes und führte den Dandy-Stil ein: einen einfachen, gut geschnittenen Anzug, kombiniert mit einer schön geknüpften Krawatte, möglichst weiß und gestärkt. Er war es auch, der der Elite eine neue Gewohnheit einbrachte, täglich zu baden. Vor der Französischen Revolution war es ganz normal, dass die Menschen nur alle paar Monate einmal badeten. Es wurde als ungesund angesehen, dich oft zu waschen. Alle unangenehmen Gerüche wurden mit Parfum maskiert. “Beau” Brummell bestand darauf, dass die Grundlage für eine gepflegte Erscheinung eine gute Körperpflege sei.

Männer trugen zu Beginn der Regentschaft praktisch keine Unterwäsche. Das lag daran, dass die Hose so eng war, dass eine Unterhose nie unter die Hose passte. Das einzige, was ein Mann tun konnte, war sein langes Hemd in die Hose zu stecken. Auf der Höhe des Dandyismus gingen einige Männer hinter den Frauen her, sie trugen ein Korsett, um ihre Taille zu reduzieren und ihre Brust breiter zu machen.

Punk (Modus)

Punk als Mode betrifft die Kleidung und Accessoires, die zur Punk-Kultur gehören.

Die Punk-Mode in England wurde in den siebziger Jahren weitgehend von Modedesigner Vivienne Westwood und ihr Freund Malcolm McLaren (Musiker, Künstler, Modedesigner und Manager-Impresario der Sex Pistols), die diese Art und Weise Kultur aus ihrem Laden SEX am Königs propagierte bestimmt Straße in London.

Kleidung Punk ist vor allem anerkannt von: Eine Reihe von Elementen des Punk Kleidung tritt auch in der gotischen Art und Weise.

Punks versuchen hauptsächlich, ihren Kleidungsstil so zu zeigen, dass sie “gegen Mainstream / durchschnittliche Affären” sind. Sie widersetzen sich der etablierten Ordnung und distanzieren sich von Menschen, die der Gesellschaft blind und wahllos folgen. Stattdessen versuchen sie, aufzufallen und ihre Meinung zu äußern. Um aufzufallen, sind die Klamotten oft sehr extrem.

Das Gemeentemuseum hat zwei Punk-Outfits der Sammlung in den 80er Jahren aufgenommen, während der Ausstellung „Von Chanel bis Punk“ wurde im Jahr 2004 wieder gezeigt.

Adrett

Preppy of Prep ist eine Subkultur, die ihren Ursprung in den alten Privatschulen im Nordosten der Vereinigten Staaten hat, die Studenten an der Universität vorbereiten, so genannte Universitätsvorbereitungsschulen. Die Begriffe beziehen sich nun hauptsächlich auf einen sportlichen Kleidungsstil, der mit der Kleidung dieser Schüler verbunden ist. Der Stil entstand aus dem Ivy-League-Stil, der in den 1950er Jahren an amerikanischen Universitäten populär war. Ende der 1970er und in den 1980er Jahren durchbrach Preppy als Amalgam des Ivy-League-Stils und Elemente der Kultur der Oberschicht in Neuengland und im Vereinigten Königreich, wie Polo, Golf, Tennis und Segeln. Modemarken wie Lacoste, Polo von Ralph Lauren oder Tommy Hilfiger spielten in den 1980er Jahren eine große Rolle, typische Elemente des adretten Kleidungsstils sind:

Passement

Die Verzierungen sind eine Form der dekorativen Stickerei oder Spitzenherstellung, die von einem spezialisierten Schneider, dem Tributarbeiter, gemacht wird, der Outfits, Stickereien, Litzen oder Garnierung aus Gold- oder Silberdraht für Kleidung herstellt. Manchmal wird auch Spitze, Seide, Perlen oder anderes Material zur Dekoration verwendet. Posamenten wurden oft für Kostüme von zum Beispiel Würdenträgern verwendet und erforderten viel manuelle Arbeit, um sie herzustellen. Es gibt auch oft Passagen zu Lampenschirmen, Theatervorhängen, Teppichen und Rüschen. Eine bekannte Fabrik war De Backer mit Sitz in Brüssel.

Schaufensterpuppe

Eine Schaufensterpuppe ist ein lebensgroßes Modell in Form des Rumpfes und dient als Hilfe beim Nähen von Kleidung. Es gibt auch Mannequins mit einem Kreuz; Diese eignen sich auch zum Nähen von Hosen. Eine Schaufensterpuppe ist normalerweise eine Drahtfigur, die an die Größe der Person angepasst werden kann, für die die Kleidung hergestellt wird. Normalerweise ist die Drahtfigur mit Staub bedeckt. Durch die Verwendung einer Schaufensterpuppe wird verhindert, dass eine Person unnötig oft einpassen muss. Für die Näherin ist es auch sehr nützlich, wenn sie sich Kleidung machen muss, um zu sehen, wie ihre Arbeit fällt, besonders auf dem Rücken. Eine auf die Größe anpassbare Schaufensterpuppe ist nicht immer für die Moulage geeignet, dh, sie schneidet und montiert direkt auf dem Modell, anstatt flach auf einem Tisch zu liegen, weil das Gewebe dort eingeklemmt wird, wo die Einstellknöpfe sind.

Altmodisch

Altmodisch ist etwas, das nicht mehr in Mode ist. Wenn ein Artikel schon lange bekannt ist, will der Verbraucher neue Dinge. Die alten Artikel sind dann nicht viel mehr verkauft, es ist alt und aus der Zeit. Dies gilt insbesondere für Kleidung, aber auch für Möbel und sogar für Ideen. Der Begriff Antiquitäten kann als sehr altmodisch angesehen werden, es sind Dinge, die heute nicht mehr gemacht werden. Antiquitäten haben jedoch eine positive Bedeutung, weil sehr altes Zeug viel wert ist. Dies kann auch bei altmodischen Artikeln passieren; Im 21. Jahrhundert beispielsweise bewahren manche Menschen altmodische Kleidung, Möbel und Haushaltsprodukte aus den 1960er Jahren, die oft durch die Farben Braun, Orange und Purpur gekennzeichnet sind.

Kleidung dauert nur für eine gewisse Zeit, wenn eine bestimmte Kleidermarke nicht mehr vorrätig ist, ist sie weg. Der Wettbewerb spielt dabei eine große Rolle. Wenn eine Firma oder ein Geschäft sehr gut läuft, dann ist diese Art von Kleidungsmarke sehr wichtig. Denn es ist neu und die Menschen wollen am Erfolg einer so beliebten Marke teilhaben. Mit der Zeit verringert sich das und Kleidung ist oft draußen, weil die Leute nur neue Dinge wollen. Das gilt auch für andere Dinge wie Ausrüstung, Möbel, Uhren usw. In der Kleidung ist es jedoch am auffälligsten, weil sich die Mode immer ändert: “La mode, c’est ce qui se démode” (Coco Chanel).

Wenn Produkte nicht mehr in einem Unternehmen oder Laden verkauft werden, läuft es nicht gut und die Fabrik kann bestimmte Produkte nicht mehr herstellen. Infolgedessen kann eine Firma in Konkurs gehen, und dann wird sie annulliert. Um das zu verhindern, gestalten Hersteller oft etwas Neues. So kann ein Unternehmen weiterarbeiten. Weil neue Produkte eingeführt werden, kann ein Unternehmen viel Gewinn machen, die Fabrik bleibt und der Bankrott wird verhindert.

Design

Ein Design ist eine Beschreibung von etwas Neuem oder einer Beschreibung von etwas, das existiert. Ein Design ist daher eine Beschreibung (Projektion oder Modell) der (zukünftigen) Realität.

Ein Entwurf kann beispielsweise aus einer Textbeschreibung, einem computergestützten Entwurfsmodell, einer Zeichnung, einem Muster oder einem Maßstabsmodell bestehen. Oft wird dem Wort design ein Präfix hinzugefügt, abhängig von der Betreffzeile;

Der Prozess, die Ausarbeitung einer Idee oder Ideen zu einem Design, wird als Design bezeichnet. Der Designprozess ist die erste Phase des Produktlebenszyklus. Der Produktlebenszyklus besteht aus dem Design, der Produktion, der Verwendung und der Löschphase. Eine häufig verwendete Aufteilung des Designprozesses ist die Zuordnung, die Erstellung und die Realisierungsphase. Die ISO9001-Methode (Planen, Ausführen, Prüfen und Handeln) wird ebenfalls verwendet. Mit einem Design denken wir über die Realisierung von etwas im Voraus nach. Dies ermöglicht es, etwas (effizient) zu produzieren. Abhängig von der Art des Designs oder von der Person, die den Prozess ausführt, kann der Designprozess viele Formen annehmen. Ein Beispiel für eine Zwischenform ist ein Modell. Zu diesem Zeitpunkt werden die Dimensionsfehler in den Zeichnungen sichtbar und können rechtzeitig repariert werden. Gerade in Anlagen der petrochemischen Industrie lohnt es sich, weil sich auf vielen Ebenen eine außergewöhnliche Anzahl von Rohren kreuzt. Ein anderes Beispiel für eine Zwischenform ist ein Prototyp. Auch hier können die Kräfte, die Funktion oder der Sitz von Bauteilen getestet werden. Aufgrund der Verfügbarkeit leistungsfähiger CAD-Systeme geht der Trend in Richtung virtueller Prototypen. Die Übersicht der Konstruktionsprozesse beschreibt die verschiedenen Stadien und / oder Methoden des Designprozesses. Abhängig von der Art des Designs oder von der Person, die den Prozess ausführt, kann der Designprozess viele Formen annehmen.

Es gibt viele Design-Philosophien, die als eine Art Handbuch für den Designprozess verwendet werden können.

Gießen

Moulage ist eine Design-Technik für Kleidung. Beim Formen wird das Gewebe direkt um den Körper oder die Puppe geformt. Daher wurde zuerst kein Muster erstellt. Natürlich kann aus dem Ergebnis ein Muster gezogen werden. “Kurz gesagt, Moulage macht Muster im dreidimensionalen Raum”. Wenn das Formteil verwendet wird, um ein Muster für ein Kleidungsstück zu erzeugen, wird dünnes nicht-elastisches Gewebe verwendet, wie beispielsweise Baumwolle. Der Stoff wird dann direkt auf die Schaufensterpuppe gesteckt, das heißt, die Webkante verläuft über die Wirbelsäule, über die Mitte des Vorderkörpers. Die Pindales werden während des Häutungsvorgangs mit Stiften im Gewebe angebracht. Überschüssige Substanz wird abgeschnitten. Wenn der Stoff nach Maß hergestellt wird, werden die Stoffkanten, die vorderen Abnäher, die Nählinien, Säume und Kerben mit Kreide auf dem Stoff markiert. Der Stoff wird von der Puppe oder dem Modell entfernt. Die mit Kreide angegebenen Anweisungen werden auf Übersichtlichkeit überprüft. Anschließend kann das Stoffmuster auf Papier kopiert oder sofort verwendet werden. Moulage bedeutet Formation im Sinne von Modulation, Casting oder Verzerrung. Mediziner verwenden den Begriff Fontanel für die Verzerrung des Schädels während der Geburt.

fliegen

A Mouche (Französisch für: fliegen; Plural mouches), auch bekannt als tache de beauté, einem schwarzen Patch kann. An Gesicht, Schulter oder Brust befestigt, macht der Kontrast der Haut die Weiße der Haut leichter.

Ein frühes Anzeichen für diesen Modus in den Memoiren von Madame de Genlis finden, sie am Hof ​​von Louis XIV blieben. Im 18. und 19. Jahrhundert wurde eine sehr helle Haut als Zeichen der Schönheit geschätzt. Eine schöne Frau, nach den Ansichten jener Zeit, hätte nicht von der Sonne gebräunt werden können. Wenn der Teint nicht weiß genug war, wurde Reispulver oder Make-up verwendet. Für diejenigen, die im 19. Jahrhundert nicht reich genug für diese Weiße waren, war das billigere Kartoffelmehl die Lösung. Elegante Damen und auch elegante Herren trugen Mouches bis zur Französischen Revolution. Die Revolution betonte “Natürlichkeit” und die Mouche, Teil der französischen Hofkultur, verschwand. In der Romantik wurde die Glas verabscheut, trugen jene zeigt sie sehr alt und noch gekünstelt sein. Französische Mode wurde in ganz Europa verfolgt. Sie sahen auch Mouche von Stockholm nach Neapel. Die Bourgeoisie hat es nicht getan, der Adel hat es getan. In Venedig wurden auch Mouches getragen, die Mouche am Kinn wurde “galante” genannt.

Mouches waren meist aus Taft, Samt oder Seide und wurden mit Gummi arabicum befestigt. Mouche von feinem Papier kommt auch vor. Oft waren sie um, aber auch Sterne, sichel kleine Herzen und Fenster auf die Haut in Form von glasigen aufgezeichnet wurden. Die Mouches wurden in einer speziell angefertigten Schachtel, den boîtes à mouches, aufbewahrt. Diese ovalen oder runden Kästen wurden aus Pappmaché oder wertvollen Materialien wie Silber oder Palisander hergestellt.

In der stark erotisch aufgeladenen Atmosphäre von Venedig und dem Französisch Gericht wurden die Glaskörper verwenden eingeleitet auf Nachrichten zu übergeben. Die Position des Mouche erklärte dem aufmerksamen und informierten Beobachter, in welchem ​​Gemütszustand eine Dame war. A Mouche ist in der Ecke des Auges zu dem unwiderstehlichen Herzensbrecher, ein assassine gesagt, geben muß, wenn der Mouche auf der Brust, sichtbar im Ausschnitt einen révéleuse bezeichnet, die mehr als andere Quellen offenbaren wollten:

Modestad

Eine Modestadt (oder Modehauptstadt) ist ein wichtiges Zentrum für die Modebranche. In einer Modestadt sind Aktivitäten wie die Produktion und der Verkauf von Modeartikeln, Modeveranstaltungen und Messen ein wesentlicher Bestandteil der gesamten wirtschaftlichen Aktivitäten. Die “Big Four” -Modenkapitale der Welt befinden sich in Paris, New York, London und Mailand.

Modelagentur

Eine Modelagentur ist eine Firma, in der Models, wie Models, Statisten und Models für Modeschauen, registriert werden können. Die Modelagentur arrangiert die Auditions und Screen Tests für die Models. Zu diesem Zweck stellen die Modelle dem Büro ein Portfolio mit einem Lebenslauf und repräsentativen Fotos zur Verfügung. Auf diese Weise können potenzielle Kunden aus vielen verschiedenen Gesichtern wählen. Einige Agenturen bieten kurze Kurse wie Lauftraining. Für ihre Vermittlung verlangen die Agenturen häufig eine Registrierungsgebühr und einen bestimmten Prozentsatz des Auftragswertes bei Abschluss eines Auftrags.

Mannequin

Eine Schaufensterpuppe ist eine Person, normalerweise eine Frau, die Haute Couture zeigt. Eine Schaufensterpuppe hat dafür eine spezielle, elegante Lauftechnik. Das Wort Schaufensterpuppe kommt aus dem mittelholländischen Wort “mannekijn” (männlich), eine Holzpuppe, die der Schneider verwendet, um seine Kleidungsentwürfe mit Stiften zu befestigen. Das Wort wurde schnell auf Französisch übernommen und verbreitete sich von dort aus weltweit durch die Modewelt. Das englische Wort Schaufensterpuppe bedeutet eher Schaufensterpuppe oder Schaufensterpuppe als das niederländische Wort für eine lebende Person. Im Mittelalter, als Flandern das europäische Zentrum der europäischen “Haute Couture” war, galt die öffentliche Zurschaustellung von Kleidung für Frauen als unangemessen, so dass männliche Seiten dieser Aufgabe zugeordnet wurden.

Kleines schwarzes Kleid

Ein kleines schwarzes Kleid ist ein kleines schwarzes Kleid.

Im Jahr 1926 machte Coco Chanel in der amerikanischen Zeitschrift Vogue auf ein einfaches schwarzes Modell aufmerksam. Vogue nannte das Kleid “Chanel’s Ford”, denn genau wie der T-Ford war ein kleines schwarzes Kleid ein einfaches und bezahlbares Modell, in diesem Fall für Frauen aus verschiedenen Gesellschaftsschichten. Vor den zwanziger Jahren wurde schwarze Kleidung oft mit Trauerkleidung assoziiert. Édith Piaf benutzte dieses Kleid während ihrer Karriere oft als Grundlage für ihre Kleidung während der Aufführungen. In den frühen sechziger Jahren begann das Interesse an dem Kleid wieder zu wachsen, als Audrey Hepburn ein starkes Image in “Frühstück bei Tiffany” in einem kleinen schwarzen Kleid des französischen Modeschöpfers Hubert de Givenchy schuf.

Art Nagel

Ein künstlicher Nagel ist ein künstlicher Nagel, der auf dem vorhandenen Nagel mit Acryl oder einem Gel hergestellt wird. Der künstliche Nagel kann zum Schutz des Naturnagels, Verschönerung oder zur Verlängerung des eigenen Nagels angebracht werden. Mit einer Verlängerung kann eine Spitze verwendet werden, oder der Nagel wird nur mit Gel oder Acryl mit einer Schablone gebaut. Ein künstlicher Nagel ist kein falscher Nagel! Sie können falsche Nägel in der Drogerie kaufen und bereit sein zu bleiben. Das ist schön, wenn Sie eine Woche lang einen langen Nagel wollen, aber bei falscher und / oder häufiger Anwendung den Naturnagel enorm schädigen können. Da der künstliche Nagel auf dem eigenen Nagel aufgebaut ist, ist die Wahrscheinlichkeit des “Anhebens” (das Lösen der Kanten) viel kleiner als bei einem festsitzenden Nagel. Der künstliche Nagel wirkt zudem natürlicher, weil er an die Form und Größe des eigenen Nagels angepasst ist.

Acrylnägel werden mittels eines Pulvers und einer Flüssigkeit gebildet. Wenn diese zusammenkommen, findet eine chemische Reaktion statt. Dadurch entsteht ein formbarer Ball, der auf den Nagel aufgebracht werden kann, so dass der künstliche Nagel modelliert wird. Der Acrylnagel ist ein relativ harter Nagel und ist kaum flexibel, so dass er leicht brechen kann.

Gel-Nägel werden mit Gel-Nagellack hergestellt, der Gel-Lack ist dicker als ein normaler Nagellack. Der Lack ist hart unter einer UV-, LED- oder CCFL-Lampe. Verschiedene Schichten müssen aufgetragen werden, wobei jede Schicht unter der Lampe gehärtet wird. Die Gelnägel sind flexibler als Acryl, weil sie weniger dick sind, aber immer noch sehr stark, so dass sie weniger schnell brechen, als wenn Sie keinen Nagellack hätten. Gel-Nägel können jetzt leicht zu Hause aufgetragen werden, UV-Lampen sind frei zu kaufen und Gel-Nagellack kann jetzt in jeder Apotheke erworben werden. Der Acrylnagel wird mit einer Feile so bearbeitet, dass er die gewünschte Form und Stärke hat. Dann kann ein Ornament, Acryl oder Nagellack aufgetragen werden.

Kinderwhore

Kinderwhore war ein Kleidungsstil aus der Grunge-Szene, der Mitte der 90er Jahre von einer Handvoll weiblicher Punkrock- und Grunge-Bands getragen wurde. Kinderwhore zeichnete sich durch zerrissene und zerrissene, typisch weibliche Nachtwäsche wie Negligés und Babydolls aus, kombiniert mit Lederstiefeln und dem übermäßigen Einsatz von Make-up. Der genaue Ursprung des Stils ist nicht bekannt, aber Courtney Love gilt allgemein als Trendsetter.

Friseur

Ein Friseur oder Friseur (manchmal auch mit einem französischen Wort coiffeur, weiblich coiffeuse) ist jemand, der ihren Beruf schneidet oder gestaltet. In der Vergangenheit wurden Friseure Barbiere genannt. Ein Friseur arbeitet in einem Friseursalon oder besucht Leute zu Hause. Die Haare können nicht nur geschnitten, sondern auch gefärbt, gebleicht, modelliert oder geblasen werden. Es gibt Damen- und Herrenfriseure. Früher wurden Männer und Frauen getrennt in den Niederlanden unterrichtet, heute ist der Frauen- und Männerhandel ein Kurs. Zuerst lernt man zum Friseur. In diesem Teil der Ausbildung lernt der Schüler Dauerwelle, Schneiden und Föhnen bei Frauen und Männern. Wenn dieses Diplom erreicht ist, kann der Schüler mit dem Allround-Friseurtraining fortfahren. In diesem Teil des Trainings lernt der Schüler, wie man schneidet, wellt, transformiert, färbt, webt und näht. Für jede Komponente wird eine theoretische und praktische Prüfung abgelegt. Dies wird von Fachlehrern und unabhängigen Beobachtern beurteilt.

Das Training kann in einem regionalen Trainingszentrum oder an einer Privatschule absolviert werden. Eine Reihe von Bildungseinrichtungen bieten Möglichkeiten, dem Friseurberuf Teilzeit zu folgen. Neben der Berufsausbildung (MBO-3 oder MBO-4-Niveau) ist es auch möglich, Programme und Kurse zu besuchen, die sich auf bestimmte Bereiche des Friseurberufs konzentrieren. In einem regionalen Trainingszentrum dauert das Friseurprogramm zwei Jahre und der Folgekurs Allround-Friseur ein Jahr. Dies ergibt schließlich ein MBO-Diplom Stufe 3. Die Ausbildung im regionalen Ausbildungszentrum kann auf zwei Arten verfolgt werden. Der erste Weg ist der Berufsbildungsweg. Der Schüler geht jeden Tag zur Schule und nimmt zu vereinbarten Zeiten an einem Friseursalon teil. Der andere Weg ist Berufsberatung. Mit dieser Form geht der Schüler an einem Tag in der Woche zur Schule. An den anderen vier Tagen arbeitet der Student in einem vom KOC anerkannten Friseursalon. Die Aufgabe des Friseurs ist es, den Schüler zusätzlich zum praktischen Unterricht in der Schule auszubilden. Heutzutage ist es auch möglich, bestimmte Fähigkeiten zu erlernen (z. B. Haare schneiden, Volumen herstellen, Flechten oder Haare färben & blenden), indem man maßgeschneiderte Kurse besucht. Die Bandbreite dieser Kurse reicht von gelegentlichen Kursen in lokalen Friseursalons bis hin zu national operierenden, spezialisierten und hochwertigen Friseurkursen mit modularem Angebot. Diese Kurse erfordern oft keine vorherige Ausbildung, sind zugänglich und hauptsächlich praxisorientiert (keine Theorie-Lektionen) und führen zu Teilzertifikaten. Sie sind für professionelle Friseure gedacht, die einen Auffrischungskurs benötigen und Nicht-Profis, die eine bestimmte Technik beherrschen möchten.

* Barber Pole, das Symbol von Friseuren in vielen Ländern

Heupfles

Flachmann, Flachmann oder Taschenflasche ist der gebräuchliche Name für eine abgeflachte Flasche, oft mit einer hohlen Seite. Ein anderer Name ist “Platvink”.

Die Form der Flasche ist an die Form des Körpers angepasst, so dass der Flachmann in die Tasche eines Kleidungsstücks eingelassen werden kann. Viele Modelle haben eine Metallkappe, die auch als Trinkbecher dienen kann, oft gibt es eine separate Schraubkappe unter der Tasse. Dies macht den Flachmann zum Reisen geeignet. Die in der Herstellung verwendeten Materialien variieren von Metallen wie Silber und Chrom bis zu Glas in verschiedenen Farben. Die Flasche ist manchmal mit Leder ausgekleidet. Eine begrenzte Menge Flüssigkeit passt in einen Flachmann. Es gibt Fläschchen mit einer Kapazität von 120 cm³, aber auch 180, 210 und 270 cm³.

Durch die attraktive Form und das oft luxuriöse Design sind sowohl die moderne als auch die antike Flachmannflasche ein Sammlerstück. Als Werbegeschenk mit schickem Look ist der Flachmann fast schon ein Klischee geworden, aber man kann die Flasche auch in Filmen sehen, als ein Accessoire, das deine Stimmung verbessert.

Die flach-hohle Form macht den Flachmann ideal geeignet, um sich in der Innentasche einer Jacke oder eines Mantels zu verstecken, was die Flasche zu einem Lieblingsobjekt für Menschen macht, die heimlich alkoholische Getränke konsumieren.

Hohe Mode

Haute Couture ist der Höhepunkt der Mode, entworfen von Modedesignern, die für einen ausgewählten Markt arbeiten. Es werden nur ein oder wenige Exemplare der Kleidungsstücke angefertigt, die für den Träger maßgefertigt sind. Alle Couture-Stücke werden von Hand aus den feinsten Stoffen und mit den modernsten Techniken hergestellt. Das ist der Unterschied zu dem sogenannten Prêt-à-Porter oder Konfektion, Mode, die nur fertig zum Tragen ist, also keine Gewohnheit. Der Prêt-à-porter ist oft eine Übersetzung der Haute Couture in den Alltag: Lange Abendkleider, mit manchmal extravaganten Details und Stoffen werden sozusagen “tragbar”.

Die Haute Couture entstand in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, weil der englische Modeschöpfer Charles Frederick Worth keine Kleidung auf Kundenwunsch herstellte, sondern eigene Kollektionen entwarf. Sie wurden reichen Frauen präsentiert, die ihren Designs ihren eigenen Stoff hinzufügten. Traditionell kommt Haute Couture aus Frankreich (Paris), aber heutzutage immer mehr aus Städten wie New York, London und Mailand. Ein Modedesigner, der Haute Couture herstellt, wird Haute Couturier genannt. In Frankreich kann sich nur eine kleine Gruppe von Modedesignern Haute Couturier nennen. Zu diesem Zweck muss der Designer von der Chambre Syndicale de La Couture ernannt werden. Es vergibt nur den Titel Haute Couturier, wenn der Designer folgende Bedingungen erfüllt:

Die Zielgruppe, die sich Haute Couture leisten kann, ist relativ klein. Hinzu kommt, dass die meisten der oben genannten Häuser auch eine Prêt-à-porter-Kollektion haben, die einer breiteren Öffentlichkeit zugänglich ist. In der Folge ist die Zahl der Haute Couturiers in den letzten Jahren stark gesunken. Auf der einen Seite behält Haute Couture ihren exklusiven Charakter, auf der anderen Seite macht sie ihre Zukunft unsicher. Die Haute Couture bleibt jedoch eine Kunstform, mit der der Designer experimentieren kann, damit er nie ganz verschwindet. Die Haute Couture hat auch eine Werbefunktion für das Haus.

Goldene Spule

De Gouden Spoel war ein jährlicher / zweijähriger Preis, der an einen jungen, vielversprechenden Modedesigner verliehen wurde.

Der Wettbewerb wurde 1982 im Rahmen der Kampagne “Mode, das ist Belgien” ins Leben gerufen. Eine internationale Jury aus Industriellen, Designern, Journalisten und Modespezialisten wählte aus 15 Kandidaten. Ihre Entwürfe wurden von der belgischen Textilindustrie mit Unterstützung der Regierung gemacht, um bei einer letzten Parade ausgewählt zu werden.

Gothic (Modus)

Gothic ist ein dunkler, manchmal morbider, erodierter Kleidungsstil. Typische gotische Mode und Aussehen für Frauen in der Regel von langen Kleidern bestehen, Korsetts, Schleier, nach hinten gekämmt (groß) Haare, Eyeliner, schwarz lackierte Fingernägel, Netzstrümpfe und Stilen aus den elisabethanischen und viktorianischen Zeiten entlehnt. Weniger typisch sind Gothic-Kleidungsstile wie Batcave / Deathrock-Kleidung. Gotische Kleidung wird von Liebhabern der Gothic-Musik getragen. Sie sind Teil der Gothic Subkultur und werden Goths genannt.

Der Gothic-Kleidungsstil ist Teil der subkulturellen Identität der Gothic-Subkultur. Dies ist nicht nur bei Gothic der Fall, sondern auch bei vielen Subkulturen. Innerhalb der Subkultur sind sehr unterschiedliche Vorstellungen darüber, was genau gotische Art und Weise, die Ideen von Menschen, die nicht Teil dieser Subkultur sind (Außenseiter). Kleidungsstile, die zum Beispiel von vielen Menschen als Gothic angesehen werden, werden in der Gothic-Szene als etwas für Außenstehende gesehen. Beispiele hierfür sind die extreme Verwendung von Make-up (“Corpse-Paint”) oder Band-Shirts von Metallgruppen. In seinem Buch Goth: Identität, Stil und Subkultur (Berg Publishers Ltd., Oxford, 2002) Paul Hodkinson Gespräche über Gothics, die ihr Aussehen verwenden ihr Engagement für die Subkultur zu zeigen. Er kam zu dem Schluss, dass besonders extreme, nicht oder weniger leicht zu verbergende Auswahlmöglichkeiten (wie das Malen oder teilweise Rasieren von Haaren) ein größeres Engagement zeigen.

Gewöhnlich ist gotische Kleidung hauptsächlich schwarz, oft mit Silber und / oder Rot. Darüber hinaus sind viele andere Farbkombinationen möglich. Die typische gotische Stil, der manchmal die „romantische“ Look genannt wird, nur durch begrenzt, was die Unterstützung Denken anziehen kann und besteht häufig aus Kleider und Korsetts, Schleier, nach hinten gekämmt Haare, Eyeliner, schwarz lackierte Fingernägel, Netzstrümpfe und Stile aus der elisabethanischen und viktorianischen Zeit entlehnt. Bei Männern ist es eine engen Hosen, spitze Schuhe, lose Hemden (manchmal mit Rüschen) im Stil von Lord Byron und alles Schnalle. Die Art des Ereignisses, zu dem Sie gehen, bestimmt manchmal, wie Sie sich kleiden. Aber der Ausdruck eines persönlichen Stils wird als wichtiger angesehen. Es ist nicht ungewöhnlich, dass mehrere Teilnehmer ein goth Partei fühle mich sehr oder extrem formale Kleid in einer Weise, die nichts mit diesem Fall zu tun hat.

Der Stil eignet sich für Variationen und kann mit Elementen anderer Stile (meist Bdsm-Kleidung) kombiniert werden. Viele Piercings und / oder Tattoos sind keine Seltenheit und sowohl Männer als auch Frauen tragen oft umfangreiches Make-up. Das Haar ist oft schwarz-blau gefärbt und wird manchmal zurückgekämmt, damit es gut aussieht. Die Ähnlichkeiten zwischen gotischer Kleidung und männlicher schwarzer Metallkleidung machen oft die visuelle Unterscheidung klein. Genau wie Punk gibt es viele Designs in frühgotischer Mode.

Französische Maniküre

French Manicure ist eine Art, Nägel zu dekorieren, wo die Spitzen der Nägel weiß sind und die unteren Teile eine rosa oder natürliche Farbe bekommen. Die Unterseite des Nagels ist ebenfalls weiß mit einem weißen Stift, während die Oberseite vollständig in einer weichen transparenten Farbe lackiert ist. Die französische Maniküre stammt aus dem Mittelalter. Es gab einen großen Unterschied zwischen Arm und Reich, und die Reichen zeigten dies auch. Der arme Arbeiter arbeitete den ganzen Tag draußen in der Sonne und hinterließ eine sonnengebräunte Haut, wegen der Arbeit hatten sie raue Hände mit schwarzen Rändern unter den Nägeln. Um zu zeigen, dass man in der Lage war, die Sonne wegzufegen, die Reichen mit weißer / blasser Haut zurücklassend, wurde dies oft durch verschiedene (manchmal lebensbedrohliche) Smeerseltjes unterstützt. Um die Hände und Nägel sauber zu machen, wurden die Nägel über einen Kalkblock gelegt, der die Nägel weiß erscheinen ließ. Die Art der Maniküre, wie wir sie heute kennen, wurde von Jeff Pink von der Marke Orly eingeführt, die Nail Art liefert. Die französische Maniküre wurde auf dem Laufsteg eingeführt, um die Aufmerksamkeit der Besucher auf die Kleidung der Modelle zu lenken, statt auf die Nägel, die die Aufmerksamkeit auf die Modenschau lenken. Die Technik wurde 1976 French Manicure genannt. Die Wirkung kann auch durch die Verwendung künstlicher Nägel erreicht werden.

Freestyle-Mode

Freestyle Fashion ist ein Modestil, der das Modebild für Männer und das für Frauen verwischen will, basierend auf der Idee, dass diese Modebilder von der Gesellschaft kulturell und sozial bestimmt sind. Ein Fashion Freestyler übernimmt ein oder mehrere Merkmale (z. B. Kleidungsstücke), die ausschließlich dem jeweils anderen Geschlecht im aktuellen Modebild zugeordnet sind, ohne das eigene Geschlecht zu verdecken. Es ist daher nicht beabsichtigt, als eine Person des anderen Geschlechts aufzutreten oder das Geschlecht des anderen Geschlechts ganz oder teilweise zu übernehmen. Freestyle Mode muss daher von Travestie unterschieden werden. Der Begriff Freestyle Fashion entstand im Jahr 2001 in Großbritannien. Aufgrund des Wachstums des Internets wurde der Begriff nun auf eine breitere Basis gestellt. In der westlichen Kultur bietet das vorherrschende Mode-Image für Frauen mehr Platz als für Männer. Wegen dieser Einschränkung ist Fashion Freestyling häufiger bei Männern. Historisch gesehen, muss das Tragen von langen Haaren und Ohrringen bei Männern auch als eine Form von Fashion Freestyling gesehen werden. In städtischen Gebieten sind diese Eigenschaften Teil des Modebildes für Männer geworden und der Begriff Fashion Freestyling ist im Prinzip nicht mehr anwendbar. Eines der möglichen Beispiele für Fashion Freestyling ist, dass High Heels auch von Männern getragen werden. Die überwiegende Mehrheit ihrer Kleidung passt weiterhin in das Modebild für Männer, aber Schuhe brechen die gesellschaftlich definierten Grenzen. Ein anderes Beispiel sind Männer, die Röcke tragen. Wo es einen kleinen Unterschied beim Tragen eines Kilt gibt, gibt es einen deutlichen Unterschied in der sozialen Akzeptanz.

* freestylefashion.org

Flapper

Flapper, Flapper-Mädchen und garçonnes sind Begriffe, in den zwanziger Jahren für „eine neue Generation von selbstbewussten Frauen verwendet, die kurz ihre Haare in einem Bob, Jazz-Stil angehört und nahm geringschätzig über das, was war dann akzeptabel und akzeptierte Verhaltensweisen zu sein gesehen. Flapper-Mädchen tragen schwere Make-up, kurze Röcke, enge drank, geräuchert, fuhr Auto und ging einfacher als bei konventionellen Sex. Sie hatten etwas Herausforderndes, Fettes und Provokatives. Soziale und sexuelle Normen wurden im Allgemeinen ignoriert. Gegen Männer hatten sie eine emanzipierte Emanzipation für diese Zeit. Sie waren auch wichtig für das Coming-Out und die Emanzipation von Lesben. Der französische Schriftsteller Victor Margueritte schrieb 1922 den gefeierten Roman La Garçonne.

Flapper war ein Modell für einen völlig neuen Modestil, der das Ende des Korsetts und den Aufstieg des Höschens bedeutete. Die Flapper wurden auch nachdrücklich mit einem neuen Tanzstil assoziiert, genauer mit dem Charleston. Die Klappen-Mädchen hatten auch ihre eigene Sprache (Slang), mit seinen eigenen Worten und Phrasen, wie „snugglepup“ (ein Mann, der oft besucht Parteien), „barney-mugging“ (sexy) oder „Das ist die Biene die Knie “(das ist großartig) und” Das ist so Jake “; einige von ihnen haben den Test der Zeit bis heute bestanden. Der Flapper-Stil entstand in den zwanziger Jahren in den Vereinigten Staaten während der Zeit der Prohibition in illegalen Bars (Flüsterkneipe Jahre), wo religiös inspirierten Abstinenz Probleme und Autorität im allgemeinen verpönt war. Der Flapper Lifestyle wurde besonders in England und den Vereinigten Staaten populär. Mit der Großen Depression verschwand der Flapperstil allmählich.

Bekannte flappers waren Schauspielerinnen Joan Crawford, Clara Bow, Louise Brooks, Colleen Moore, Norma Talmadge und Autor Frau Zelda Fitzgerald, F. Scott Fitzgerald, deren Mann arbeitet viel Aufmerksamkeit auf die Klappen Stil bezahlt. Zeichentrickfiguren wie Minnie Mouse und Betty Boop sind ebenfalls vom Flapper-Stil inspiriert. In Europa war die Französisch Tänzerin Mistinguett eine berühmte Klappe, die den Bob eingeführt (Kabarett) im Moulin Rouge im Jahr 1921. In Berlin um 1930 war die Schweizer Schriftstellerin und Fotografin Annemarie Schwarzenbach und der deutsche Schriftsteller und Schauspielerin Ruth Landshoff York auch das Zentrum eines Kreises von temperamentKlappen-Mädchen. Berühmte niederländische flappers haben Hollywood-Star Jetta Goudal enthalten und später Truus van Aalten.

<Galerie Breite = “156” Höhen = “175”> Datei: Louise Brooks ggbain.32453u.jpg | Schauspielerin Louise Brooks File: Normatalmadge.jpg | Schauspielerin Norma Talmadge Datei: Alice White argentinisches Magazin AD.jpg | Schauspielerin Alice White File: Norma Shearer portrait.jpg | Schauspielerin Norma Shearer File: Clarabow.jpg | Schauspielerin Clara Bow File: CBpic Clara Boop.png | Clara Bow als Betty Boop Datei: Joancrawford2crop.jpg | Schauspielerin Joan Crawford File: Bebedaniels.jpg | Schauspielerin Bebe Daniels Datei : portrait.jpg Zelda Fitzgerald | Zelda Fitzgerald File: Evelynbrent.jpg | Evelyn Brent Datei: Jetta Goudal Sterne des Photoplay.jpg | Jetta Goudal Datei: Truus van Aalten – Alexander Binder – EYE FOT168497.jpg | Truus van Aalten

* Gourley, Kathleen. Flappers und die neue amerikanische Frau: Die Wahrnehmung der Frauen von 1918 Durch die 1920er Jahre (und oder Frauenbilder im zwanzigsten Jahrhundert). 2007. ISBN 978-0822560609.

* Flappers und Mode

Fashion Model Directory

Das Fashion Model Directory (FMD) ist eine Online-Datenbank mit Informationen über Models, Modelagenturen, Marken, Magazine über Mode, Modedesigner und Modeartikel. FMD wurde im italienischen Fernsehen als “das IMDb der Modeindustrie” beschrieben.

Das Model Directory ist eine der größten Datenbanken für professionelle weibliche Models, Modemarken, Modemagazine, Designer und modebezogene Artikel. Für jedes Modell sind detaillierte Informationen verfügbar, z. B. welche Anzeigen angezeigt werden. FMD stellt auch eine Fotogalerie für jedes Modell zur Verfügung. Die FMD-Datenbank enthält mehr als 10.000 Modelle, 1400 Modedesigner, 2400 Modemarken, 2200 Arbeitszeitblätter, 50.000 Artikel und 1700 Modelagenturen. Darüber hinaus enthält die Fotogalerie mehr als 30.000 Fotos.

Die FMD begann 1998 als privates Offline-Projekt von Stuart Howard. Im Jahr 2000 ging die Datenbank online und wurde wöchentlich aktualisiert. Zwei Jahre später wurde das Projekt von der britischen Fashion One Group übernommen. Im Mai 2011 erhielt die Website einen neuen Namen und Auftritt im Rahmen eines Rebrandings.

Disco (Musikgenre)

Disco ist eine Tanzmusik, die ihren Ursprung in Diskotheken hat. Im Allgemeinen bezieht sich der Begriff auf eine bestimmte Art von Musik, die Einflüsse aus dem Funk, Soul und Salsa-Musik und die Tänze hat, die mit ihm gekommen.

Das Wort Disco stammt von Diskotheken, einer Art Nachtclub, der in den sechziger Jahren entstand und zum Tanzen bestimmt ist. Die Elemente der Disco-Musik waren Anfang der siebziger Jahre zum ersten Hören, wie Isaac Hayes’ Soundtrack zum Film Shaft 1971. Im Allgemeinen kann man sagen, dass die ersten Disco-Songs im Jahr 1973 veröffentlicht wurden, obwohl viele Manu Dibango Seele Makossa von 1972 die erste Disco-Aufnahme in Betracht ziehen. Der Begriff “Disco” wurde zum ersten Mal am 13. September genutzt, 1973 in dem Artikel “Discotheque Rock-’72: Paaaaarty”, geschrieben von Vince Aletti von Rolling Stone Magazin. Anfangs waren die meisten Dis – Nummern nur für Diskotheken / Tanzgruppen gedacht und nicht für allgemeine Zuhörer wie Radiohörer. Es gibt jedoch auch viele Aspekte, die zum Gegenteil führen; Populäre Radio-Hits wurden auch in Nachtclubs gespielt, solange sie ein leicht zu befolgendes Muster hatten, fast 120 Schläge pro Minute. Die meisten der 70er-Jahre-Songs im Disco-Genre haben ein leicht erkennbares Viervierteltakt. Ein Fernsehmoderator, die das Genre in den USA propagierten war Don Cornelius (1936 – 2012) mit seiner TV-Show Soul Train, die zwischen 1971 und 1993 Ausgewählte Amateur-Tänzer zeigen ihre neuesten Moves und Club-Outfits in diesem Programm ausgestrahlt wurden. Disco erstreckte sich daher auch auf Mode in der Kleidung auf dem Höhepunkt.

Soul- und Funk-Platten, die die Disco beeinflusst haben, beinhalten:

Der Motown-Sound enthielt auch viele Elemente, die mit dem Disco-Sound assoziiert werden würden:

Philadelphia International Records bestimmten die Philadelphia-Seele und beeinflussten auch die spätere Disco mit Aufnahmen wie:

Early TK Records CD-Titel:

Die kommerzielle Blütezeit der Disco begann 1973-’74 mit den Hits “Never Can Say Goodbye‚von Gloria Gaynor (1973) und” Rock Your Baby” von George McCrae (1974). Mit der Veröffentlichung des Diskofilms Samstagnachtsfieber im Jahr 1977 war die Begeisterung auf ihrem Höhepunkt. Donna Summer war ein Sänger in dem Genre, wie “Queen of Disco”, gewann Superstar-Status. Künstler wie der Bee Gees, Rod Stewart, Kuss und der Rolling Stone gemacht kürzere oder längere Zeit Musik im Genre.

Zugleich ergab eine bedeutende Gruppe von Musikliebhabern mit Nachdruck gegen die Disco-Begeisterung, die von ihnen als eitle Massenphänomen zu sehen war. Diese Abneigung wurde in Songs wie “Dancin‚Fool” von Frank Zappa (1979), Gruppo Sportivo von Disco reflektiert wirklich Made It (es ist leer, und ich hasse es) “(1979) und” In The Disco” von Hurricane (1983) .

Mit der Einführung von elektronischen Instrumenten in der Disco-Genre wie Synthesizer, Drum-Maschinen und Vocoder ergab sich aus den frühen 80er Jahren eine völlig neue Musik-Technologie. Eine der ersten vollständigen Form der elektronischen Tanzmusik der Welt war die Italo Disco. Mit der Einführung von italodisco verschwand die Disco-Musik komplett aus dem Rampenlicht. Italodisco blieb bis zum Ende der achtziger Jahre die populäre Tanzmusik für junge Leute aus dem Mainstream.

Trilby

Eine gehäkelte Mütze, auch Fedora genannt, ist ein Filzhut, der vor allem von Männern getragen wird, aber auch für Frauen in Mode ist. Der Hut erscheint in fast allen Farben, am häufigsten sind jedoch Braun, Grau und Schwarz.

Der Hut wurde um 1890 eingeführt. Genau wie die Bowler-Mütze erfreute sich der Crocheck vor allem in der Mittelklasse von den zwanziger bis sechziger Jahren großer Beliebtheit. Ende der fünfziger Jahre kam der Dellenhut langsam aus der Mode. Der Hut wird manchmal mit Gangstern während der Entwässerung und der Großen Depression in Verbindung gebracht. In Hollywoodfilmen aus den 1940er Jahren wurde der Hut häufig von Schauspielern benutzt, die Privatdetektive, Kriminelle oder andere “harte Kerle” spielen mussten. Der Dent-Hut wurde normalerweise in Kombination mit einem langen Regenmantel getragen.

Spaltung

Eine Spaltung (aus der Französisch-Spaltung ‚tiefem Ausschnitt‘, wörtlich „ontkraagd‚) ein Low-Cut-out der Halsöffnung eines Kleidungsstück, wie beispielsweise eine Spitze, Kleid oder Rock, so dass Teile des Hals, den Körpers und / oder Rückseite entblößt sein. Der Begriff wird im weiteren Verlauf verwendet, um auf diese Körperteile und insbesondere auf den Busen einer Frau hinzuweisen. Ein Ausschnitt mit teilweise entblößter Brust ist in der westlichen Kultur als Zeichen der Weiblichkeit und Sexappeal betrachtet, wenn eine Frau für sein stigmatisiert kann, was als unangemessen Outfit zu sehen ist, die zu ausgesetzt ist. Das Ausmaß, in dem eine Spaltung sozial akzeptabel ist, hängt stark vom Kontext ab.

In Europa werden Kleidungsstücke aus dem 11. Jahrhundert getragen, die den oberen Teil der weiblichen Brust zeigen. Im Jahre 1450 eingeführt Agnes Sorel, Mätresse des Königs Karl VII von Frankreich, einem Modus, in dem das Kleid geschnitten war so tief, dass die Brüste voll sichtbar waren. Simonetta Vespucci trug auch solche Kleider. Die modische wenn Korsetts auffällige Zurschaustellung der Brust getragen wurden kam Ende des 15. Jahrhunderts insnoerden unteren Teil des Oberkörpers und Brust und dem oberen Teil der Brust ausgesprochen tat kommen. Der Ausschnitt ging in den 20er Jahren aus der Mode, wenn die so genannte Klappen Mode eine knabenhafte Aussehen der Frau zu erreichen versucht. In den 30er und 40er Jahren kam die Büste zurück in die Mode mit dem Look Pullover Mädchen von Schauspielerinnen Lana Turner, Jane Russell und später Marilyn Monroe, noch folgte in den 60er Jahren von einem vrouwbevrijdend Art und Weise die Saint Yves populär gemacht wurde Laurent wurde propagiert. Seither sind Dekolletés im Showbizz weit verbreitet. In anderen Umgebungen steht ein Ausschnitt im Gegensatz zu einem eher keuschen Idealbild.

Synonyme sind ein tiefer Hals (Exzision), der englische Begriff Spaltung oder – aus der Sicht des Betrachters – Einsicht. Wenn jemand in einem Dekolleté von oben und in der Regel unerwünscht schaut oder schießt, spricht man von downblouse. Wenn die Kleidung am Rücken niedrig geschnitten ist, spricht man von einem Rücken-Dekolleté. Wenn der untere Teil der Brüste sichtbar ist, zum Beispiel durch ein kurzes Crop Top, spricht man im englischen Slang von Underboob oder australischer Dekolleté (“Australian Spaltung”). Ein weiterer spöttischer Begriff ist die Bauarbeitersamm- lung, bei der eine entblößte Spalte über der Haarkante angedeutet ist. Der anatomische Begriff für den Raum zwischen den Brüsten in Höhe des Brustbeins ist Sulcus intermammarius.

Cul de Paris

Die Cul de Paris (Französisch: “Arsch von Paris”, auch euphemistisch “Queue de Paris” oder “Schwanz von Paris”) war ein Modetrend, in dem der Sitz des Kleides akzentuiert und erzogen wurde. Eine niederländische Übersetzung aus dem Jahr 1858 war “false bounce” mit der Erklärung “ehemaliges Modeverhalten”. Dann war die zweite und dritte Periode, dass das Paris de Paris noch in Mode war.

Diese Mode entstand um 1700, als der Mantel stark über die Rückseite des Kleides gefaltet wurde. Zuvor war die Taille der Frau mit Kissen oder Holz- und Korbgeflechtstrukturen unter der Kleidung akzentuiert, jedoch war immer die Seite, die Hüften, breiter gemacht worden. Jetzt wurde das Gesäß künstlich aufgezogen. Die Quelle der Phrase “cul de Paris” und der Grund für die Bezugnahme auf die Stadt Paris sind nicht klar. Nach 1772 wurde die Cul zum zweiten Mal in Mode. Bei der Robe à la Polonaise wurden die Gesäßbacken wieder mit Kissen aus gummiertem Leinen oder gestärkter Gaze am Bund und plissiertem Stoff akzentuiert. Dann wurde die Sippe Teil der Robe à l’Anglaise. Um 1780 wurde die Sitte wieder aus der Mode. Zwischen 1872-1876 und 1882-1886 wurde die Rückseite des Kleides wieder akzentuiert. In der prüden viktorianischen Ära wurde das Wort “cul” vermieden, man sprach von der “tournure” und so spricht die Modegeschichte von der ersten und zweiten Tournüre. Dies war auch eine Mode, in der Frauen einen gepolsterten Sitz hatten, der mit Kissen in ihren Kleidern gepolstert war. Die Straße verformte die Silhouette einer Frau, ließ aber die Taille von einem Korsett verengt. Die Cul de Paris aus dem 19. Jahrhundert war eine der vielen Neuerungen des “ersten Couturiers” Charles Frederick Worth. Er präsentierte es als “cul de crin” in Form von Flechtwerk, wo zuvor ein Kissen aus Rosshaar verwendet worden war. In beiden Fällen wurde diese unpraktische Mode nur von Damen der höheren Klassen getragen.

Im 21. Jahrhundert brachte die deutsche Designerin Monika Lees als “Cul de Paris” eine Tasche lose um die Hüfte einer Frau, mit der Bemerkung, dass dort alles verstaut werden könnte, was sonst in der Schultertasche mitgeführt werden müsste. . Diese Kultur sollte von Mode aus dem 18. Jahrhundert inspiriert sein.

Konfektion

Confection (Kleidung), oder mit einem französischen Wort prêt-à-porter, Kleidung und Schuhe wird im fertigen Zustand und in Standardgrößen angeboten, im Gegensatz zu maßgeschneiderter Kleidung, die maßgeschneidert ist.

Im Gegensatz zu maßgeschneiderter Kleidung wird Kleidung in Massenproduktion hergestellt. Dies hat den Vorteil, dass der Preis der Kleidungsstücke relativ niedrig gehalten werden kann. Die Konfektionsgrößen sind in Größenordnungen in Größenordnungen unterteilt. Zum Beispiel, T-Shirts oder Unterwäsche, wo die Größe nicht genau sein muss, verwenden Sie die Bezeichnung S (klein), M (mittel), L (groß), XL (extra groß), XXL (doppelt extragroß) und XXXL (extrem groß). Man spricht dann von Kleidungsgrößen. Es versteht sich von selbst, dass der Sitz der Kleidung nicht immer gut ist. Die Breite ist gut, aber die Länge ist nicht und wenn die Länge gut ist, ist die Breite nicht gut. In diesem Fall muss nach dem Kauf etwas geändert werden, normalerweise mit einer zusätzlichen Zahlung. In einigen Geschäften verkaufen sie Hosen, deren Pfeifen noch nicht fertig sind: Nach dem Kauf werden die Pfeifen auf die richtige Länge fertig gestellt und dieser Service ist dann im Preis inbegriffen.

Der Bekleidungsmarkt besteht zu mehr als 90% aus Konfektionskleidung. Einige bekannte Handelsketten, die nur mit Konfektionskleidung handeln, sind C & A, Zeeman und H & M. Einige Modehäuser stellen auch Bekleidungslinien her, die in Massenproduktion hergestellt werden, während andere nur exklusive Haute Couture Linien anbieten. Beispiele für bekannte Modehäuser, die neben ihrer exklusiven Kleidung auch Konfektionskleider produzieren, sind Chanel, Dior, Cacharel und Lacroix. Neue Kollektionen für Prêt-à-porter werden in jeder Modesaison (also zweimal im Jahr) von Modehäusern, oft während einer sogenannten Fashion Week, präsentiert.

Das Konzept war den Römern bereits als Konfekt bekannt. Zu dieser Zeit bestand die Bekleidungsindustrie wahrscheinlich aus der Herstellung von Militäruniformen. Die Herstellung von Kleidung ist seit Jahrhunderten den Schneiderinnen und Näherinnen vorbehalten. Um 1800 kam es in Europa zu einem lebhaften Handel mit Second-Hand-Kleidung, was dazu führte, dass speziell für diesen Zweck Kleidung hergestellt wurde. Außerdem kauften Hausierer Maßkleidung von Schneidern, die der Besteller nicht abgeholt hatte. In erster Linie war diese Kleidung maßgefertigt, wurde aber von den Hausierern als Konfekt an die Türen verkauft. Später bestellten die Hausierer auch Kleidung in allgemeinen Größen. In der gleichen Zeit begannen sie auch, Kleidung zum Beispiel für Schiffsbesatzungen herzustellen, die zu kurz an Land waren, um ihre Kleidung fertig zu machen. Dieser Zustand steht in direktem Zusammenhang mit der Entwicklung der Nähmaschine.

Laufsteg

Ein Catwalk ist eine T-förmige Bühne, auf der die neueste Mode präsentiert wird. Ein anderer ähnlicher Begriff, der oft verwendet wird, ist Runway. Die wichtigsten Leute hier sind so genannte Schaufensterpuppen und Schneider, die die Kleidung tragen, und präsentieren, indem sie über den Laufsteg gehen, sich an einem bestimmten Punkt drehen und zurück zum Ausgangspunkt gehen. Die Zuschauer werden von führenden Modemarken wie Chanel oder Louis Vuitton inspiriert. Die meisten Catwalk-Shows werden vorsorglich gegen das Wetter abgehalten. Manchmal werden Shows auch draußen organisiert. Im Mode-Jargon steht der Satz “Was ist auf dem Laufsteg?” (“Was ist auf dem Laufsteg?”) Bezieht sich auf das, was neu und beliebt in der Mode ist. Der Laufsteg “ist die Art, wie die Modelle laufen. So wie eine Katze rennt, immer eine Pfote für das andere Bein. Modelle laufen so, weil es so aussieht, als ob die Beine von der Seitenlinie gekreuzt werden.

Die Band Right Said Fred hat in den 90ern das Lied “I am too sexy” über das Phänomen “Catwalk” gemacht.

Aenne Burda

Anna Magdalene “Aenne” Burda, geb. Lemminger, (Offenburg, 28. Juli 1909 – dort, 3. November 2005) war ein deutscher Herausgeber von Modemagazinen. 1950 veröffentlichte sie die Zeitschrift Burda Moden, die später zur größten Modemagazine der Welt wurde. Burda Moden war besonders beliebt bei Frauen, die ihre eigenen Kleider anfertigten und die Muster verwendeten, die in der Zeitschrift waren und immer noch veröffentlicht werden. Aenne Burda hatte daher die Absicht, einem großen und breiten Publikum praktische und erschwingliche Mode anzubieten. 1987 erschien Burda Moden als erstes westliches Magazin hinter dem Eisernen Vorhang. In diesem Jahr erschien die erste russische Version des Modemagazins in Offenburg, Deutschland. Aenne Burda war die Ehefrau von Franz Burda II, der den Verlag Burda Media leitete. Sie hatten drei Söhne, Franz, Frieder und Hubert, die nach dem Tod von Franz II. Die Leitung des Burda-Verlags übernommen und in Hubert Burda Media Holding umgewandelt haben. 1994 übernahm Hubert Burda den Verlag von Aenne Burda.

Hosenrock

Ein Hosenrock, auch “culottes” genannt, ist eine Hose, deren Beine so breit sind, dass das Kleidungsstück einem Rock ähnelt. Der Hosenrock ist ein Kleidungsstück, das auch in den frühen 80er Jahren und 2016 wieder in Mode kommt. Der Hosenrock hat – wenn es nicht zufällig in Mode ist – ein langweiliges Bild oder gar lächerlich. Andere sind der Meinung, dass ein Hosenrock elegant und auch effizient sein kann. Die Länge eines geteilten Rockes kann stark variieren, von oberhalb des Knies bis zum Knöchel.

Während der viktorianischen Ära wurden lange Röcke in zwei breite Rohre aufgeteilt. Diese waren zum Reiten gedacht, so dass Frauen auf einem normalen Sattel reiten konnten, anstatt in einem Amazonas-Sitz zu fahren. Im Amazone-Sitz hält die Frau beide Beine auf einer Seite des Pferdes, damit sie weiterhin ein Kleid tragen kann. Bei einem normalen Sattel kann eine Frau kein Kleid tragen, da sie ihre Beine strecken muss. In dieser Zeit war es für Frauen tabu, Hosen oder sogar einen Rock mit breiten Beinen zu tragen. Zum Beispiel ging gegen Ende des 19. Jahrhunderts eine Frau in den USA Gefahr, verhaftet zu werden, wenn sie es wagte, beim Reiten Hosen zu tragen. Später wurden weitbeinigere Hosen häufiger und Frauen konnten diese Kleidungsstücke während der Gartenarbeit, Reinigung, Radfahren etc. tragen, während sie immer noch aussahen, als ob sie einen Rock tragen würden. In einigen traditionellen Gemeinschaften, wie denen der strengen Reformierten, tragen Frauen zu Beginn des 21. Jahrhunderts keine Hosen. Selbst der Hosenrock wird dort nicht akzeptiert.

* Hakama, aufgeteilt in japanische Kampfkunst

Aquascutum

Aquascutum ist eine luxuriöse britische Bekleidungsmarke. Im April 2012 wurde die Marke von Jaeger an die chinesische YGM Trading verkauft.

Aquascutum wurde 1851 gegründet, als der Schneider und Unternehmer John Emary ein Herrenhaus in der Regent Street eröffnete. Im Jahr 1853, nach der erfolgreichen Herstellung der ersten wasserdichten Wolle, patentierte er seine Entdeckung und benannte die Firma in “Aquascutum”, lateinisch für Wasserschild. Dies bedeutet, dass Aquascutum, zusammen mit dem Rivalen Burberry, der Erfinder des Trenchcoats ist. Das Unternehmen boomte, als das britische Verteidigungsministerium während des Krimkrieges (1853-1856) Mäntel für Offiziere herstellte. Im zwanzigsten Jahrhundert hat das Ministerium einen weiteren Appell an Aquascutum, diesmal für alle Grade Regenmäntel während der beiden Weltkriege produzieren zu machen. Im Jahr 1900 war Aquascutum einer der ersten Bekleidungsgeschäfte, die ein eigenes weibliches Segment im Sortiment hatten. Die wasserdichten Capes und Mäntel waren sehr beliebt bei den britischen Suffragetten, die für die Emanzipation der Frauen kämpften. In den 1980er und 1990er Jahren stand das Unternehmen wieder im Rampenlicht, als Kingsley Matheson Pink, Direktor des Ladens in der Regent Street, die britische Premierministerin Margaret Thatcher kleidete. Dies gilt auch für den historischen Besuch von Thatcher in der Sowjetunion angewandt, wo sie nicht nur trugen Mäntel und Anzüge von Aquascutum, sowie Ballkleider und Abendkleider. Bis 1990 war Aquascutum ein Familienunternehmen, als es von dem japanischen Textil Konglomerat Renown Incorporated übernommen. Dieses Unternehmen verkaufte es im Jahr 2009 an die britische Firma Jaeger, die es 2012 an die chinesische YGM Trading zurückverkaufte.

Neben Margaret Thatcher Aquascutum die vielen Größen Jahrhunderte umfasst Kleidung und vor allem Adelige, Politiker und Schauspieler, darunter drei Prinzen von Wales, Prinz Rainier III von Monaco, Winston Churchill, Lauren Bacall, Sophia Loren, Cary Grant, Michael Caine, John Major, Pierce Brosnan und Humphrey Bogart. Der ikonische Regenmantel des letzteren im Film Casablanca wurde auch von Aquascutum gemacht.

Antimode

Antimode ist ein Sammelbegriff für Kleidungsstile, die der vorherrschenden Mode entgegenstehen. Mit Anti-Mode-Trägern kann man eine politische, praktische oder stilistische Aussage über Mode machen und Alternativen aufzeigen. Der scheinbaren Willkür oder der unpraktischen Natur der Mode zu widerstehen, ist kein neues Phänomen; Im 18. Jahrhundert wurde der ganze Spott durch Modetrends angetrieben und in der viktorianischen Ära gab es lautstarken Widerstand gegen Korsetts und Reifenröcke.

Der amerikanische Anthropologe Ted Polhemus verwendet jedoch die Begriffe Mode (Mode) und Anti-Mode (Antimode) auf eine andere, spezifischere Weise. Polhemus betrachtet “Mode” oder “Mode” nicht als Synonyme für “Stil” oder “Dekoriert”. Jeder, in jeder Gesellschaft, tut tatsächlich zu Formen von Verzierungen (Verzierungen, sich selbst schön machen), aber das macht sie noch nicht modisch. Polhemus unterscheidet zwischen Mode, dass jedes Jahr Licht verschiedene Trends erzeugt, an die sich Träger anpassen müssen, wenn sie modisch sein wollen, und Anti-Mode, die ziemlich stabil ist. Mode existiert nur dort, wo soziale Mobilität ist. Es ist ein Mittel für Individuen, von einer Gruppe zur anderen zu klettern. Im Gegensatz dazu versteht Polymus Anti-Mode als die Stile, mit denen sich bestimmte soziale Gruppen (Nationen, Stämme, Kasten, soziale Klassen, Altersgruppen, …) identifizieren. Obwohl sich auch Antimoden verändern, ist es gerade die Absicht, dass diese Stile eine stabile soziale Identität unterstützen. Beispiele für Antimodes sind die traditionellen Kostüme aller Völker, die klar erkennbaren Stile der sozialen Schichten und die Kleidungsstile der Subkulturen wie Biker oder Punks. “Mode” beschränkt sich auf die Stile von Individuen zwischen solchen Gruppen, wie ArbeiterInnen, die sich in der Mittelklasse hocharbeiten.

* Ted Polhemus und Lynn Procter, “Fashion & Anti-Fashion. Eine Anthropologie von Kleidung und Schmuck ”. London: Thames und Hudson, 1978.

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